Sirva como anexo a la entrada anterior

Tonterías que han salido a partir de una foto poco favorecedora...

























P.D: No pongo ninguna imagen, que ya tenemos bastante con lo que tenemos...

"A ver si hacen un Mundial en Uganda que no caigo en el nombre de su capital"

Rosell tiene atado a Fábregas

Aquí la noticia.
Y aquí tenéis una pequeña interpretación libre que mi mente enferma hace del titular:



P.D: Como decía Anthony Blake: "No le deis más vueltas, no tiene sentido".

"Transgresor es el que quiere, revolucionario es el transgresor con amigos sin personalidad."

La dama del tiempo

Te recibe por debajo de ti, sin embargo da una impresión diferente, estás bajando el cuello pero imaginas un enorme pedestal, imaginas millones y millones de personas, y un sitio donde esa gente pueda observarla con libertad, donde ella brille como hace eones lo hizo, donde ella sea admirada y loada como hace eones lo era.
Su mirada es reticente pero segura. Es la mezcla de cómo imponer pasión, orden y acción. Abarca sin problemas tanto ángulo como debería, y te impone respeto, pero no miedo, sólo respeto. Y poder, un poder inmenso que podría servir más que cualquier arma, que movería tierras y mares, ejércitos interminables y civilizaciones enteras.
Estás allí, ante ella, y no puedes evitar caer en su invisible yugo. Allí no importa la gente que haya alrededor, no importa ya en qué año estemos ni de donde seamos. Ella te atrapa y te envuelve, y te dirige y te manda, te solapa, te convierte en suyo.
La dama del tiempo, la belleza inmortal, que más que mantenerse intacta se acrecenta con el tiempo. La libertad y el dominio, donde nadie podía, ella pudo. Por eso, si la conoces, no te extraña el efecto, por eso no te importa ser su súbdito, es casi un deseo más que un castigo. Te imaginas haberla visto allá en su trono, con esos mismos ojos, y te das cuenta de lo fácil que le tuvo que resultar llegar adonde llegó, al mayor de los dominios, tan alto que su cuello y su barbilla podrían haberle faltado, nadie se habría dado cuenta.
Y enclavada en un ciclo, morir no murió nunca. Vivió eterna como deseó, con su belleza intacta, con su mirada de madre, mujer y reina despertando la admiración de la gente que de suerte aún la contempla.
Allí, en Berlín.

Teorema de Thales

No pongo ni P.D. ni frase por miedo a desvirtuar esta maravilla. Es increíble.

Arte, ¿Subjetivo u objetivo?

"¿Qué es el arte, sino una manera de ver?"

Thomas Luis Berger

Músicos repartidos por el mundo

P.D: Pa completar y eso pongo un post-data.

El Rey Enamorado

Pues dentro de poco voy a ver a estos genios de la música y el humor. Para que los conozcáis (mejor) os dejo con una de mis piezas preferidas. Disfrutadlo.



P.D: Aquí no pongo ni frase ni imagen, que no me pega ponerlo.

Falocentrismo

[Se aconseja examinar con detenimiento cada imagen adjunta para poder valorar en todo su esplendor la importancia que tienen dentro del tema que nos ocupa. O no.]

Decía Karl Marx (creo que era Marx, estoy casi seguro, si acaso luego lo miro y te lo confirmo) que el ser humano se mueve por intereses. Única y exclusivamente por intereses. Él pensaba firmemente que por definición no existía una acción desinteresada. Toda actuación tiene una causa determinada (¿determinista?, pues quizás) y siempre guarda un beneficio directo o no para el sujeto. Así pues, hasta el amor de una madre tiene su explicación (en la perpetuación de la especie y la búsqueda de la eternidad por medio de los genes).
En un tono más aquiniano podríamos asegurar entonces que hay un motor, un eje sobre el que todo gira. Lo creían tanto los romanos heliocentristas, lo creían Galileo y Keppler. Del geocentrismo al universalismo.
¿Y cuál es el centro del arte?, ¿qué beneficio le da al artista (contando con que mucho arte se crea sin ningún ánimo de lucro)?, ¿cuál es el interés del arte? Nada más sencillo: pintar penes. Hablemos del falocentrismo, cojones ya. El falocentrismo va a llegaaaaar.
No hay más que asomarse de forma somera al mundo del arte grecorromano (griegos y romanos se distinguían únicamente en los dedos de los pies) para comprobar que es el pene el verdadero motivo por el que muchos artistas se dedicaron al arte y no a la construcción o la política. No en vano, la mayoría de ellos lo colocaban en el centro de sus esculturas (especialmente si éstas eran desnudos masculinos). Aquí tenemos varios ejemplos de penes en el arte clásico:



Llegado el arte clásico 2.0 (llamado Renacimiento), volvió el auge del pollismo en pintura y escultura, de tal forma que en los frescos de la Capilla Sixtina encontramos esto:



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Del mismo autor (o casi) es célebre Miguel Ángel de David:



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Todo ello sin olvidarnos del áureo Hombre Vitruviano.



Y por supuesto la archiconocida Gioconda, que guarda un importante mensaje subliminal:

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También en la Revolución Francesa encontramos sorprendentes ejemplos del falocentrismo por la propia claridad de los mismos:






Finalmente, en la actualidad podemos destacar ejemplos como el Nabo rodeado de hierbas:



Y El descaro del carajo:



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P.D: Por si no lo sabíais.
P.D.2: Paradójicamente, este post no cumple la Regla del Cimbrel (por desgracia para mí).

"Mamá no pudo evitar que yo fuera artista."

Controversia

Oliverio Toscanini

El arte contra el arte

Ya tuvimos en este blog una discusión acerca de la intención intrínseca del arte, de su utilidad, planteándonos qué era necesario para que a algo se le pudiese considerar las características necesarias de lo artístico. Y hablamos de la difusión de las ideas por medio de las obras, de la legitimidad del autor para poder basar su ejercicio en determinados principios y no en el goce visual espontáneo (permitanme decirlo así). Hablamos de los mensajes crípticos que escondían cada pintura, cada escultura, cada página. Y desde luego, la disparidad de opiniones (afortunadamente) se mantuvo firme. Pero hoy vamos a hablar de algo diferente, de una intrusión legendaria firmada por un artista, un boicot al arte firmado por el arte, una embestida a la hipocresía de la sociedad y la política, directa y sin tapujos. El cómo dañar para sanar. El cómo solidarizarse con una obra destrozándola. La historia de Tony Shafrazi.

El Gernika de Picasso tiene una historia casi más extensa que su longitud, fue creado para su exposición en el pabellón español de la Exposición Internacional de París. Un encargo promovido por el director general de Bellas Artes español completado con la venia de arquitectos y escritores influyentes como Juan Larrea y Max Aub. Tras su paso por la ciudad de la luz, el Gernika inició su largo periplo mundial, fue estrella de una exposición itinerante en los países escandinavos junto a obras de Matisse y Branque. Y con la necesidad de ayudar en la causa republicana viajó hasta Inglaterra para ser expuesto en varias localidades, levantando gran furor. Sin embargo, con el triunfo nacional, Picasso comenzó a ver peligrada su pintura, y decidió mandarla a Nueva York, donde tras su corta estancia en la Exposición Internacional, el malagueño establecer su base, en el Museo de Arte Moderno (MOMA). A pesar de la consabida ideología comunista de Picasso, y no sin dificultades, el Gernika se mantuvo durante años en el MOMA, de donde sólo salió para ser expuesto en varias muestras antibélicas picassianas en países como Italia, Francia y Suecia. La victoria aliada supuso un auge de popularidad para el cuadro y su autor, y el Gernika pasó a ser considerado de una influyente obra a un símbolo mundial de la paz. Y precisamente de ésto se jactaban los americanos, de difundir aquel manifiesto pacifista ante las férreas políticas de bloques. La hipocresía de un país sumido en la Guerra Fría, en plena lucha contra el estado vietnamita y cuya futura tiranía mundial comenzaba a vislumbrarse en las décadas de los 60 y 70.

En 1974, pasada la Guerra Vietnamita, una polémica decisión estatal sacudió a America. El perdón oficial a William Calley, responsable principal de la terrible matanza de civiles acontecida en My Lai, revolvían los estómagos pacifistas de la nación y mostraban una contradicción tremenda entre la filosofía que parecía querer ser la impuesta por los Estados Unidos y lo que realmente sucedía internamente. Y Tony Shafrazi, por aquel entonces un graffitero anónimo, decidió tomar medidas directas en contra de este comportamiento, y para ello tomó como víctima al objeto que mejor representaba esa falsa mentalidad pacifista norteamericana. Irrumpió en el MOMA a plena luz del día, y con un rotulador rojo escribió en la esquina inferior derecha del cuadro “KILL LIES ALL" (“Matad a todas las mentiras”). El cuadro, gracias a la calidad del barniz, no recibió daño irreversible. Una alegoría a la paz, una muestra de vandalismo en pos de la sociedad. O un atentado a una obra de arte. Curiosamente hoy Shafrazi es un prestigioso artista, y ante cualquier pregunta sobre aquel hecho, prefiere no comentar nada.

El Gernika de Pikachu

P.D: Es una grandísima pollada que se me ha ocurrido y que ha contado con Sergio (el artista) como brazo ejecutor (gracias, porra).



P.D: Entre mi idea y la obra de arte han transcurrido menos de 10 minutos.
P.D.2: Por favor, a riesgo de ser un pesado, tengan cuidado de no confundir P.D. con P.D. Gracias.

"Mira, mamá, soy un aclamado artista. No sé dibujar, ni colorear, ni esculpir, ni... ¡pero conozco a uno que sí!"

"Maldito judío de mierda" felicita a PATOCIENCIA

Maldito judío de mierda

Estimado bello-artista superviviente de las justas praderas de Auswitch

P.D: A mis oídos ha llegado que hay enfermos que leen antes los post-datas que el texto en sí por la insólita razón de que esa es la parte más importante del texto. De hecho, si el post-data no les gusta, no se leen el texto. Pues bien, malditos enfermos, os he engañado porque como la abreviatura es idéntica, ésto es un pre-data. Os jodéis.

Ahora viene lo verdaderamente importante. Un homenaje por parte de un tío genial que tiene más de artista que siete PATOCIENCIAs en fila india. Allá va.

Sergio
Amigo de la familia y sufridor abnegado

Pos habrá que vender

Lo normal es hacerlo al contrario, pero aquí hay una versión de una canción muy muy muy graciosa:



Y aquí tenéis el original, mil veces más gay que la versión (atención especial a la introducción del cantante para el solo de guitarra):



P.D: Lo que me obligáis a hacer...

"Asco de todo"

Putos típicos tópicos (I): El Arte

“Yo es que no entiendo como a alguien puede gustarle eso, lo hace mi primo de cuatro años después de beberse cinco gin&tonics con absenta. Ese arte no tiene porqué ni razón”.

Tendemos a desprestigiar con suma facilidad todo lo que pueda resultar sencillo de ejecutar o de realizar, sin embargo existen miles de condicionantes que ignoramos voluntariamente a tenor de la cualidad anteriormente destacada. Nos da igual lo que representa ese monótono cuadro, no nos importa el sentido de aquella escultura, total, no es más que a un amasijo de hierros oxidados. El modernismo (que debería poder llamarse el presentismo) siempre ha tardado en entrar en la normalidad del gusto, el arte se desplaza temporalmente a una parsimoniosa velocidad, a todos nos cuesta asimilar nuevos conceptos, y nuestro mecanismo de defensa es el desprestigio.

Por eso me pregunto si es una tarea tan compleja el hecho de querer conocer los porqués de esas obras, buscar la intención del autor y adentrarnos en sus intenciones, sin tener que dejarnos llevar por el nombre, sólo por las sensaciones y por la información.




¿Qué diríamos viendo un Mondrian?

Pues olvidándonos de que su realización es sencilla, y dejando aparte la nimiedad de que son únicamente lineas rectas hay que saber qué es lo que pretendía Mondrian con su obra.

Y no es que precisamente el francés no supiera pintar de otra manera, era considerado ya un fenomenal artista cuando su obra se encaminaba regularmente a los cuadros paisajísticos, un seguidor del impresionismo en sus inicios, siguiendo una línea relativamente clásica. Sin embargo, el autor no se sentía identificado con ello, creía en algo más, quería relacionar su arte con sus principios, sabía que detrás de lo que hacía no existía el trasfondo necesario. Se acercaba poco a poco al movimiento teosófico (como tantas personalidades durante el S.XIX), y en consecuencia, aplicó a sus cuadros su influencia, donde se buscaba el conocimiento esencial, algo más que lo proporcionado por los medios empíricos. Mondrian buscaba simplificar su obra hasta encontrar lo esencial, la estructura básica del universo.

Por eso solamente utilizaba cinco colores, los dos no-colores (blanco y negro), y los tres primarios (amarillo, azul y rojo). Repudia la textura y las superficies, suprime las curvas, simplicidad es la única idea, un arte externo a lo particular. Tendencias filosóficas, Mondrian trabaja para abolir las formas y los colores en pos de que la unidad en el arte crezca.

Donde parece radicar lo simple, subsiste lo complejo.

«Sólo cuando estemos en lo real absoluto el arte no será ya más necesario».

Cohesión entre artistas

A veces un simple lienzo, aquél que pase la criba, puede mostrarnos más que cualquier texto, puede representar más de lo que nuestros ojos alcanzan a ver, quien es capaz de adentrarse en un cuadro haciéndolo suyo y creando una historia externa a su primitiva intención es él que realmente puede proclamar sin pudor que disfruta del arte. Dalí, como ya prestigioso y polivalente artista, no solo consiguió despragmatizar el Angelus de Millet, sino que insistió en afirmar que había algún elemento que faltaba en esta pintura, la Muerte. Ya siendo icono de miles de burgueses franceses, éste supo acertar la verdadera intención de la oración más visualizada.

Millet muestra a dos campesinos orando, la escena siempre pareció más drámatica de lo que debía, nadie entendía porque existía tal expresión de padecimiento. Los expertos aludían a su oscuro estilo, pintor siempre representante del realismo, no parecía lógico que ésta fuera la razón teniendo en cuenta que se acercaba con esta obra poco a poco al impresionismo, sin llegar nunca a él. De hecho, este cuadro fue motivo de inspiración para genios de esta corriente como Van Gogh, Monet o Gaugin.

Sin embargo, aproximadamente medio siglo después de su realización, Salvador Dalí se vio absorbido por la obra de Millet, especialmente por el Angelus. Las largas charlas de su amigo Tusquets sobre la influencia de la pintura surten efecto y Dalí llega a obsesionarse, con éste trasfondo utiliza el cuadro de Millet para la publicación de un tratado surrealista. Dalí expresa a su entorno las vivencias en torno a la obra, y su particular visión, la vísión de un mito trágico, el de la mujer castradora y el padre sufridor que se ven apartados de su hijo, sin que hubiese ninguna referencia ni en el cuadro ni en cualquier documento que dejara el autor. Hablaba de una supuesta subrogación por parte del autor del nudo central que desvelaría la intención de la obra por la cesta de frutas situado en medio de los protagonistas. El pintor de Figueres, como en tantas otras ocasiones, es tomado por loco.

Hace un año las nuevas tecnologías dieron la razón al extravagante artista catalán, un estudio realizado, con la utilización de rayos x, sobre la obra descubrió que en esa cesta plasmada en el centro de la imagen se encontraba en principio un ataud infantil, que posteriormente fue sobrepintado por Millet.

Independientemente de la influencia del Angelus, de su representación, de la persecución que sufrió su autor por ser declarado socialista, resulta fascinante descubrir que entre artistas hay un entendimiento más allá de los que nosotros podemos llegar a apreciar.



PD: Dejo aquí también la particular versión de Dalí de su cuadro favorito: